Permafrost

Egalement des articles sur Casanova Forever, série d’expositions en Languedoc-Roussillon, dans 02 n°56, septembre 2010, et Artpress n°371, octobre 2010.

Articles récents #5

Magali Lesauvage — Mon, 26 Jul 2010 15:52:42 +0000

. Traversée du Louvre : record battu par Beat Lippert. Fluctuat.net – 21 juin 2010

. La nudité en scènes (diaporama). Fluctuat.net – 22 juin 2010

. Cathryn Boch à la galerie Anne de Villepoix. Fluctuat.net – 23 juin 2010

. Basquiat is beautiful. Rétrospective à la Fondation Beyeler de Bâle. Fluctuat.net – 24 juin 2010

. « Danse élargie » au Théâtre de la Ville : la folle journée de danse. Fluctuat.net – 28 juin 2010

. Restauration : vers l’image virtuelle. Fluctuat.net – 28 juin 2010

. Mélancolies artificielles au musée Tinguely de Bâle. Fluctuat.net – 1er juillet 2010

. Entretien avec Valérie Jouve. Fluctuat.net – 5 juillet 2010

. Rendez-vous du Forum au Centre Pompidou : entretien avec Bernard Blistène. Fluctuat.net – 7 juillet 2010

. Retour vers l’enfance (de l’art) à La Maison de La vache qui rit. Fluctuat.net – 9 juillet 2010

. Tacita Dean / Merce Cunningham : le temps à l’œuvre. Fluctuat.net – 10 juillet 2010

. L’île mystérieuse de Charles Avery, au Plateau. Fluctuat.net – 12 juillet 2010

. Ossements du Caravage : info ou intox ? Fluctuat.net – 13 juillet 2010

. Saatchi donne ses œuvres et sa galerie à l’Etat : tout bénéf ? Fluctuat.net – 14 juillet 2010

. Faux, copies et originaux à la National Gallery (diaporama). Fluctuat.net – 15 juillet 2010

. « Emporte-moi / Sweep me off my feet » au Mac/Val (diaporama). Fluctuat.net – 20 juillet 2010

. Simone Decker, la vie et la matière. Fluctuat.net – 22 juillet 2010

Articles récents #4

Magali Lesauvage — Mon, 21 Jun 2010 11:15:41 +0000

Beaubourg-la-Reine, Cie du Zerep

. Retour vers le futur à la Biennale de Rennes. Fluctuat.net – 11 mai 2010

. Visite du Centre Pompidou-Metz en images. Fluctuat.net – 11 mai 2010

. Salon de Montrouge, une sélection. Fluctuat.net – 12 mai 2010

. Oscar Tuazon & Eli Hansen : l’art en contrebande. Fluctuat.net – 18 mai 2010

. Le trombinoscope britannique à la National Portrait Gallery. Fluctuat.net – 19 mai 2010

. Festival (tjcc) à Gennevilliers, l’art vivant frappé et bien frais. Fluctuat.net – 19 mai 2010

. Restitutions d’œuvres d’art : vers un changement des mentalités ? Fluctuat.net – 21 mai 2010

. Formes contemporaines au musée Bourdelle. Fluctuat.net – 24 mai 2010

. Quand l’art se met au service de la pub. Fluctuat.net – 27 mai 2010

. Les jeunes hommes et la mort : L’Oubli, toucher du bois de Christian Rizzo. Fluctuat.net – 27 mai 2010

. Entretien avec Gérard Garouste, peintre intranquille. Fluctuat.net – 31 mai 2010

. Louise Bourgeois, la trame de l’œuvre. Fluctuat.net – 1er juin 2010

. Dreamlands au Centre Pompidou – L’endroit du décor : chronique et diaporama. Fluctuat.net – 9 juin 2010

. Entretien avec Susanne Linke, chorégraphe de la transmission. Fluctuat.net – 11 juin 2010

. Dynasty au Palais de Tokyo et au MAMVP, l’expo-génération. Fluctuat.net – 15 juin 2010

. A Lyon, les frères van Velde. Fluctuat.net – 17 juin 2010

. Jugnet+Clairet à la galerie Serge Le Borgne, une image pour la fin. Fluctuat.net – 18 juin 2010

Articles récents #3

Magali Lesauvage — Mon, 21 Jun 2010 11:14:12 +0000

Coco Fusco, a/k/a Mrs. George Gilbert (vidéo, 2004). Courtesy de l’artiste

. Identité(s) à la Synagogue de Delme. Fluctuat.net – 13 avril 2010

. Les corps à corps de Raimund Hoghe. Fluctuat.net – 14 avril 2010

. Meijer de Haan, un artiste dans le siècle. Fluctuat.net – 14 avril 2010

. Le 104, un état des lieux. Fluctuat.net – 15 avril 2010

. Marina Abramovic au MoMA – La vie de l’œuvre. Fluctuat.net – 16 avril 2010

. Les Putes, le livre. Fluctuat.net – 17 avril 2010

. Wim Delvoye, artiste catho. Fluctuat.net – 21 avril 2010

. Promesses du passé au Centre Pompidou – Le charme discret de la subversion. Fluctuat.net – 21 avril 2010

. Rentabilisons le Grand Palais ! Fluctuat.net – 22 avril 2010

. Les manipulations cinématographiques de Julien Crépieux. Fluctuat.net – 26 avril 2010

. Voir la danse émerger : Petites formes cousues au Point Ephémère. Fluctuat.net – 27 avril 2010

. Ariane Michel, dompter le regard. Fluctuat.net – 28 avril 2010

. « De la vie qu’on sculpte » : Michel François à l’IAC de Villeurbanne. Fluctuat.net – 29 avril 2010

. L’art contemporain, combien ça coûte ? Fluctuat.net – 30 avril 2010

. Myriam Gourfink, chorégraphe des infinités infimes. Fluctuat.net – 7 mai 2010

. Gombrowiczshow chaud ! (par la compagnie du Zerep). Fluctuat.net – 7 mai 2010

. Censure : Zineb Sedira contre les harkis. Fluctuat.net – 10 mai 2010

Articles récents #2

Magali Lesauvage — Wed, 14 Apr 2010 14:27:20 +0000

Michael Sheriff, American Bob

. Kathryn Bigelow, artiste conceptuelle, expose à Paris. Fluctuat.net – 8 mars 2010

. Pour l’amour de l’art ? Les expos blockbusters. Fluctuat.net – 10 mars 2010

. Tobias Rehberger et Katinka Bock, focus sur 2 artistes allemands. Fluctuat.net – 13 mars 2010

. ArtParis+Guests, foire nouvelle version. Fluctuat.net – 18 mars 2010

. Siddharta de Preljocaj : le corps vaincu. Fluctuat.net – 22 mars 2010

. Semaine du dessin : la soirée Roven en vidéo. Fluctuat.net – 24 mars 2010

. Lucian Freud, le procès du réalisme. Fluctuat.net – 25 mars 2010

. Salon du dessin contemporain, un choix de feuilles. Fluctuat.net – 26 mars 2010

. Focus New York au festival Artdanthé : 5 artistes à suivre. Fluctuat.net – 29 mars 2010

. Le MoMA acquiert le @ : retour sur un coup de pub. Fluctuat.net – 30 mars 2010

. Fascinations criminelles : Crime & châtiment au musée d’Orsay. Fluctuat.net – 2 avril 2010

. China Talks : quand les artistes chinois parlent. Fluctuat.net – 7 avril 2010

. Listen to your eyes au FRAC Lorraine et à l’Ecole d’art de Metz : la plasticité du silence. Mouvement.net – 8 avril 2010

. In actu : l’art expérimental en questions. Fluctuat.net – 8 avril 2010

Articles récents #1

Magali Lesauvage — Sun, 07 Mar 2010 16:19:58 +0000

. Dans le dédale des images. La Fabrique des images au Musée du Quai Branly. Publié sur Fluctuat.net le 3 mars 2010

. L’art vivant de Tino Sehgal au Guggenheim Museum. Publié sur Fluctuat.net le 3 mars 2010

. L’œuvre comme expérience. Félix Gonzalez-Torres au Wiels, à Bruxelles. Publié sur Mouvement.net le 1er mars 2010

. Guillaume Leblon, la mémoire des formes. Exposition au Grand Café de Saint-Nazaire. Publié sur Mouvement.net le 28 février 2010

. Munch malgré Le Cri. Munch ou l’anti-Cri à la Pinacothèque de Paris. Publié sur Fluctuat.net le 25 février 2010

. Simon Starling, l’œuvre comme trajectoire (exposition Red Rivers à la galerie Kamel Mennour). Publié sur Fluctuat.net le 24 février 2010

. Entretien vidéo avec Alain Platel, à propos de Out of context. For Pina Bausch, au Théâtre de la Ville. Publié sur Fluctuat.net le 15 février 2010

. Mourir sur scène. Pavlova 3’23″ de Mathilde Monnier au Théâtre de la Ville. Publié sur Fluctuat.net le 5 février 2010

. Boltanski, l’art comme devoir de mémoire. Publié sur Fluctuat.net le 27 janvier 2010

. Galeries d’art à Paris, une géopolitique. Publié sur Fluctuat.net le 12 janvier 2010

Roni Horn, Still Water (The River Thames for Example), 1999, 15 lithographies offset sur papier

Magali Lesauvage — Thu, 08 Oct 2009 16:31:12 +0000

Roni Horn, Still Water (The River Thames for Example), 1999, lithographie offset sur papier

Still Water (The River Thames for example) est une série de quinze lithographies, reproductions de photographies représentant la Tamise, datée de 1999. Sur ces lithographies, des numéros sont imprimés, auxquels correspondent des notes, établies au bas de chaque image, comme dans un essai scientifique.

Ces quinze images montrent quinze fois la même chose, à savoir l’eau de la Tamise, vue en plongée, sous un angle d’environ 45°. Tantôt calme, tantôt agitée, l’eau est parfois verte, noire ou bleue, sa surface ridée, troublée de légers tourbillons ou parfaitement plane.

La répétition est l’un des modes opératoires essentiels de l’œuvre de l’artiste américaine Roni Horn. On pense notamment à ses séries de portraits : Portrait of an image (2005), portraits photographiques de l’actrice Isabelle Huppert, You are the weather (1994-1996), photographies couleur et noir et blanc d’une jeune fille sortant de l’eau, ou Cabinet of (2001), images brouillées d’une tête de clown mouvante, où l’image est déformée par le longs temps de pose, et acquiert, comme dans une toile de Bacon, une forme de monstruosité.

Le redoublement de l’objet donne une sensation de déjà-vu, comme lorsqu’on a l’impression que ce auquel on assiste dans le moment présent est déjà arrivé. Things that happen again, en 1986, établissait déjà ce rapport au dédoublement du temps : deux cônes tronqués en cuivre, identiques, se répètent dans l’espace d’exposition, instaurant ainsi deux moments de perception distincts, se référant pourtant au même objet. L’objet dédoublé n’est plus que le souvenir de l’objet original, il en est la forme spectrale, désincarnée.

Dans la série Still Water, l’image est démultipliée, infinie : il pourrait y avoir autant d’images qu’il existe de combinaisons des reflets dans l’eau. L’image pourtant reste parcellaire, elle exploite le mode de la métonymie, car l’élément liquide ne peut être représenté dans son entièreté. Par la répétition, l’artiste tente de retrouver l’unique, l’original, l’un inaliénable, figuré par une autre œuvre de Roni Horn, nommée Asphere, boule de métal à la rotondité parfaite.

Les dessins de Roni Horn jouent également sur le mode du multiple, que ce soit par la simple reproduction d’une forme, mais aussi dans ces grands dessins où le cœur de la feuille de papier est occupé par des segments de couleurs qui forment comme un chatoiement de lumière, et évoquent les tourbillons d’une eau trouble.

L’eau, multiple par essence, est aussi symbole d’impermanence, elle est à la fois éternelle et en constant changement. Le titre de la série, Still Water, se réfère au genre de la nature morte, en anglais still life, et porte ainsi en lui la contradiction inhérente à la matière liquide.

L’eau est par principe l’élément matriciel : dans les photos de geysers islandais de l’artiste, on la retrouve sous sa forme primitive, provenant des tréfonds de la Terre.

Dans les quinze images de Still Water, l’eau remplit l’image, mais elle est impénétrable. Tandis que dans les œuvres en verre Opposite of white, qui sont des objets circulaires pleins et durs, on a l’impression d’être face à des puits sans fond et on aimerait en toucher la surface pour en expérimenter la perméabilité, ces représentations de l’eau semblent des surfaces imperméables. On a la sensation d’être devant une matière solide, presque une sculpture en bas-relief.

Les photos de la série Still Water sont comme les all-over de la peinture expressionniste abstraite américaine : sans horizon, elles nient la notion de paysage. Il n’est plus question ici de « fenêtre ouverte sur le monde », concept pictural né à la Renaissance en même temps que le genre du paysage. Cette série rejoint l’histoire de la peinture moderne, par sa sérialité et par son sujet, emprunté, entre autres, à Turner, Whistler ou Monet. C’est une étude de la lumière et de la couleur, de la « sensation » impressionniste.

La présence de nombres et de notes au bas des images confèrent à Still Water une autre dimension. Ponctuant les images comme des constellations, les points forment une cartographie, et participent d’un processus de classification que l’on peut rapprocher de la Library of Water établie par Roni Horn en Islande : ce sont des colonnes remplies d’eau, échantillons prélevés dans les sources islandaises, auxquelles sont associées des sentiments. En parallèle, Still Water fait le recensement des sensations de l’artiste face à l’eau de la Tamise, comme dans un monologue intérieur. Dans ces notes, l’artiste semble s’adresser au spectateur, anticipant ses réflexions, mais en réalité elle se parle à elle-même : « L’eau est pleine de choses indicibles. Parfois je me console en imaginant tout ce qui est dans l’eau ». Elle interroge son aspect : « Est-ce noir ? », et raconte des anecdotes glaçantes de meurtres ou de suicides liés à l’eau. La fascination pour l’eau que Roni Horn exprime dans ces notes détourne l’attention de l’image et provoque une tension entre le texte et l’image. L’artiste tente de comprendre l’élément eau, mais cette tentative reste vaine, et c’est ce qui la rend poétique.

— Ce texte est la retranscription d’une intervention sur l’œuvre de Roni Horn qui a eu lieu dans les salles de l’exposition Roni Horn, à la Collection Lambert en Avignon, le 3 octobre 2009.

La critique critique la critique

Magali Lesauvage — Tue, 02 Dec 2008 14:54:18 +0000

Honoré Daumier, Le critique d'art

En complément de l’article « La critique d’art a mauvaise presse » publié il y a quelques semaines, voici quelques pistes de réflexion lancées lors d’un débat sur le thème, assez vague, de « La critique d’art en Europe », qui s’est tenu le 20 novembre dernier à l’Inha, dans le cadre du « Forum européen de l’essai sur l’art ». Y étaient présents Paul Ardenne, Vivian Rehberg, Vincent Pécoil, Stephen Wright et Valérie Da Costa, tous critiques d’art plutôt « installés », et publiant dans des revues spécialisées (Artpress, Mouvement, Frieze Magazine, Flash Art…). Ce compte-rendu est bien entendu parcellaire et subjectif.

Paul Ardenne : « Autrefois les créateurs se reposaient sur les critiques, qui participaient ainsi à la création. C’était le temps de la critique triomphante, légitime. Avec le post-modernisme advient la relativité des opinions, d’où une crise, de par la multiplicité des supports et des points de vue. La critique manque de crédibilité car elle n’est pas médiatisée, elle devient un bruit de fond en regard de la focalisation sur des événements spectaculaires ».

Vincent Pécoil : « L’idée de crise n’est pas inquiétante, car elle fonde la critique. La critique n’est pas un jugement — terme qui relève du judiciaire — plutôt une jurisprudence. Elle n’est pas le journalisme, qui donne au lecteur ce qu’il attend de l’art ».

Vivian Rehberg : « Aux Etats-Unis, la critique est liée à l’histoire de l’art : c’est le développement d’un langage ».

Stephen Wright : « La critique est-elle une discipline ? Ce serait plutôt une sous-discipline de l’histoire de l’art et de la philosophie de l’art. Il y a une crise de la critique car son vocabulaire est inadapté aux formes irruptives de l’art d’aujourd’hui. Des conventions se perpétuent telles que les notions d’œuvre, d’auteur ou de spectateur. Il y a une spectacularisation, telle que décrite par Marie-José Mondzain ou Jacques Rancière [voir, de ce dernier, Le Spectateur émancipé, qui vient de paraître aux éditions La Fabrique] : le positionnement du spectateur émancipé aveugle le critique.
[...] Les expositions aujourd’hui sont des documents, des produits dérivés, sont considérées comme des œuvres ».

Paul Ardenne : « Il y a une réduction, une haine du texte au profit de l’image dans les revues papier, contrairement aux blogs, ce qui constitue un paradoxe.
[…] On observe un glissement du critique vers le curateur : la production de sens est plus impactante, mais on tourne ainsi le dos au texte, au profit de la spectacularisation du propos. Ça rejoint la misère matérielle du travailleur intellectuel aujourd’hui ».

Stephen Wright : « Je m’oppose à la professionnalisation de la critique, car c’est contradictoire par rapport à sa normalisation.
[…] Faire de la critique nécessite une empathie : l’œuvre est activée par la parole. La critique bête et méchante consiste à déclarer : “Ce n’est pas de l’art“ ».

Intervention dans le public : « La critique n’est pas décrire ou juger, mais exprimer les conséquences d’une œuvre, notamment comme vision du monde ».

Le débat reste ouvert…

Abolir le white cube

Magali Lesauvage — Sat, 22 Nov 2008 11:37:00 +0000

Vincent Lamouroux, AR.07, 2008. Courtesy Galerie Georges-Philippe et Nathalie Vallois. Production Institut d’art contemporain, Villeurbanne

Pour celui qui visite pour la première fois l’Institut d’Art contemporain de Villeurbanne à l’occasion de l’exposition « Fabricateurs d’espaces », l’abord du centre d’art est d’emblée énigmatique. Une palissade en bois maintenue par un système d’étais se dresse devant l’entrée du bâtiment, devenu invisible de la rue : banalisé, le lieu perd de son impact emblématique dans le tissu urbain. L’artiste autrichien Hans Schabus, auteur de cette intervention baptisée Demolirerpolka (2006), annonce au visiteur, avant même que celui-ci ait franchi les portes de l’IAC, l’un des propos majeurs de l’exposition : remettre en question la validité de l’espace d’exposition.

Conçue par Nathalie Ergino, directrice de l’IAC depuis 2006, « Fabricateurs d’espaces » établit, grâce à un nombre relativement restreint de sculptures et d’installations, une réflexion claire sur la façon dont le lieu d’avènement des œuvres constitue leur matériau premier. Les notions d’espace de l’œuvre et d’espace dans l’œuvre qui y sont traitées, et qui impliquent à chaque fois l’expérimentation du spectateur, brassent tant l’héritage de l’art minimal que celui de l’art conceptuel ou du Land Art.

Dès l’amorce du parcours, cette forme de décalage ironique sous-tend l’œuvre perturbatrice de Vincent Lamouroux, qui procède à une déconstruction littérale et violente du white cube. La première salle de l’IAC abrite AR.09 (2008) — un relief de cubes amoncelés, évidés, dont il ne subsisterait que les arêtes vives et noires, se détachant sur des murs immaculés. À l’opposé du bâtiment, dans une pièce exactement symétrique, AR.07 (2008) est la forme pleine de l’œuvre précédente : des cubes blancs paraissent jaillir des murs du même ton, tels une excroissance monstrueuse du white cube. La substance de l’un semble s’être déversée dans l’autre : le lieu d’exposition, dont les volumes originels sont niés, acquiert ici une fonction de matrice, tel un organisme vivant qui procèderait à une translation physique de matière.

Jeppe Hein repousse lui aussi de manière littérale la délimitation de l’espace traditionnel du white cube. Le Changing Space (2003) est une pièce immaculée, dans laquelle on ne perçoit à première vue nulle intervention, mais dont l’un des murs avance et recule imperceptiblement. L’investigation de l’espace de la part du visiteur est mise à contribution, et active l’œuvre. Comme dans son Self-Destructing Wall (Mur auto-destructeur, 2003), l’artiste danois fait œuvre à partir d’une paroi qui, avec le temps, module l’espace et altère l’œuvre. Le recours à la notion d’espace-temps est également sensible dans la sculpture cinétique de Michael Sailstorfer, Zeit ist keine Autobahn (Le Temps n’est pas une autoroute, 2006). Un moteur active la giration d’un pneu, lequel, pressé contre un mur, s’use et laisse au sol une poussière de caoutchouc dégageant une forte odeur. Cette machine célibataire, entêtante, dans laquelle la fonction première de l’objet, le mouvement, est contredite, est aussi une forme de confrontation entre l’œuvre et son support, la cimaise, par laquelle l’œuvre devra à terme disparaître.

L’artiste américaine Rita McBride opère une autre forme de détournement de l’espace en niant l’architecture même du bâtiment. National Chain (1997) est une installation à dimensions variables, constituée de profils de fixation pour faux plafonds. Cette structure d’aluminium en forme de grille, disposée à mi-hauteur, constitue un horizon nouveau, et oblige le visiteur à se conformer à cette contrainte physique et à expérimenter physiquement l’œuvre. Occupant deux salles en enfilades, mais de niveaux différents, National Chain impose au volume architectural un quadrillage qui organise l’espace comme une cartographie, tout en le redéfinissant. Une autre œuvre de Michael Sailstorfer, Unendliche Säule (Colonne sans fin, 2006), évocation de la sculpture éponyme de Constantin Brancusi, modifie cette fois-ci les limites imaginaires du lieu d’art : l’œuvre n’est pas l’objet lui-même, un imposant projecteur, mais la colonne de lumière, œuvre immatérielle, qu’il projette à 5000 mètres de hauteur. Tout en signifiant un espace infini et immatériel de l’œuvre, Unendliche Saüle établit, dans un mouvement vectoriel, un repère dans le paysage, qui désigne l’emplacement originel de l’œuvre, et projette le spectateur dans une réalité autre, inaccessible.

Oblitéré, déformé, nié, déplacé, dépassé, le lieu d’art est également soumis aux instruments de mesure absurdes d’Evariste Richer : les Sondes (2006), utilisées lors d’avalanches comme outils d’investigation, évoquent un espace enfoui, hors de portée, tout en donnant la mesure de l’espace. L’installation de Michael Sailstorfer, Top of the Syrian Reactor Before Concrete Poured (Partie supérieure du réacteur syrien avant d’être recouvert de béton, 2008), constitue un autre type d’outil de mesure de son environnement. Rythmant une surface circulaire grillagée qui reproduit la forme d’un réacteur nucléaire, des micros sont enfoncés dans des cylindres de béton et reliés à une table de mixage. Les vibrations environnantes, non seulement les pas des visiteurs à proximité, mais aussi les bruits extérieurs au bâtiment, sont captés et retransmis par des hauts-parleurs qui diffusent un son sourd d’infra-basses. Michael Sailstorfer donne ainsi une image sonore de l’espace, somme de vibrations qui sont non seulement dans l’œuvre, mais irradient jusque dans le corps du visiteur.

Pour Guillaume Leblon, il s’agit de forcer les limites physiques du lieu en y intégrant un objet hors de proportions : Four Ladders (Quatre échelles, 2008) est une paire d’ailes de moulin en bois, enchâssée dans deux pièces dont il a fallu par endroits briser les cloisons. L’objet, déplacé de son contexte premier, semble flotter dans les airs : l’incongruité de sa présence est redoublée par la désignation d’une autre fonction de ces structures à barreaux, celle d’échelle, et à la possible référence au songe de Jacob, fuyant vers le ciel en gravissant une échelle infinie. Renvoi monumental à un espace autre, surnaturel, cosmique, Four Ladders fait écho au dispositif Landscape (2003) du même artiste, sous une forme presque imperceptible cette fois-ci. Une légère fumée s’échappe de la base d’un mur, suscitant l’inquiétude du spectateur, amené à considérer la possibilité d’un espace distinct, hypothétique. Là aussi la perception de l’espace et par là, sa validité, sont remises en question.

Au fil de l’exposition, divers processus sont mis à jour, par lesquels l’œuvre tend à se libérer de l’espace qui la contient, bouleversant l’expérience du spectateur. Celui-ci ressent parfois une impression de vertige, car ses repères sensibles sont violemment ébranlés. Cette sensation est prégnante notamment dans la sculpture monumentale de Björn Dahlem, Schwarzes Loch (Trou noir, 2007). Ce mobile en suspension, composé de bois, néon et ampoules, est une représentation du phénomène cosmique du trou noir, par définition invisible. L’artiste invite le cosmos, invisible et donc intangible, dans le lieu d’exposition, qui devient lui-même un espace infini, hors du temps et de l’espace. L’œuvre d’art dématérialise ainsi le lieu de son avènement et achève en le banalisant sa désintégration symbolique.

Fabricateurs d’espaces, Institut d’Art contemporain de Villeurbanne, du 17 octobre au 4 janvier 2009. Commissaire : Nathalie Ergino, assistée d’Aude Merquiol.